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Archive for the ‘Drama’ Category

El triunfo de la nostalgia

La investigación policial de un caso de violación y asesinato sirve de marco para contar una historia de amor inconclusa.  Benjamín Espósito es un jurista idealista que dejó pasar la oportunidad amorosa de su vida, y tras jubilarse y encontrarse vacío, busca concluir con una novela no sólo el caso que lo marcó, sino la relación que nunca empezó por falta de definición de su parte.

El Secreto de sus Ojos, película ganadora de un Oscar a la mejor cinta extranjera en la pasada ceremonia de la Academia, es de Juan José Campanella, argentino que antes había ganado este mismo premio por El Hijo de la Novia (2001).

Tal triunfo resultó toda una sorpresa, pues se daba como favorita a La Cinta Blanca de Michael Haneke y, en mi humilde opinión, Un Profeta de Jacques Audiard, era mucho más impactante e integral para llevarse la estatuilla.

Sin embargo, triunfó el sentimiento y la nostalgia que transmite Campanella en sus obras. Lo hizo con El Hijo de la Novia y repite la fórmula del melodrama con El Secreto de sus Ojos. Cinta que se apoya fundamentalmente en el diálogo y diferencia dos épocas por un maquillaje, vestuario y ambientación sumamente eficientes.

Y quién mejor para transmitir todo ese sentimiento que Ricardo Darín, el actor fetiche del realizador argentino, junto a Soledad Villasmil. Pareja que ya había trabajado junta en la película de Campanella El Mismo Amor, La Misma Lluvia (1999).

Y es, quizá, ese conocimiento profesional y personal lo que hizo que la química entre los actores traspasara la pantalla y le enseñara al espectador una valiosa lección: Sólo hay una vida para vivir, y es mejor protagonizarla a sentarse tal cual espectador a verla pasar.

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The Fighter

The Fighter recibió 7 nominaciones

Puños que reivindican

¿Por qué The Fighter consiguió siete nominaciones a los premios de la Academia? Muy sencillo, porque tiene prácticamente todos los ingredientes que ama Hollywood: drama, lecciones y superación personal, inspirada en hechos reales.

Se trata de la áspera pero a la vez conmovedora historia del regreso de un héroe del boxeo poco común: Micky Ward “El irlandés”, y de su hermanastro, Dicky Eklund, quienes tuvieron que enfrentarse como contrincantes antes de unirse en una dura pelea para ganar un importante campeonato y fortalecer sus lazos familiares.

Es la historia del héroe americano que supera la pobreza, los problemas de una familia numerosa y controladora, y la adicción de su hermano a las drogas. El resultado es una cinta en la que, por sobre todas las cosas, resaltan los personajes y quienes los interpretan.

El director es David O. Russell, quien no dirigía desde 2004 y cuyo título más conocido es Tres Reyes de 1999, protagonizada por George Clooney y el mismo Mark Wahlberg, con quien repite en esta producción.

El regreso de Russell ha sido por la puerta grande, pues ha logrado colarse en la categoría de  los mejores directores del año, cosa que no alcanzó ni el mismísimo Christopher Nolan con Inception.

La introducción de The Fighter es sumamente parsimoniosa, pero no se puede negar que plantea el conflicto y presenta el drama de los personajes en los primeros minutos. Las escenas de pelea están bien resueltas y la dirección de los actores es sencillamente impecable.

Elenco que estremece

El elenco de The Fighter es sumamente atractivo y se crece con estos personajes. Encabeza Mark Wahlberg quien asume el papel de Micky Ward, un boxeador con una familia muy particular, que trata de surgir por méritos propios, pero que no puede apartar la sombra que ha dejado su hermano, otrora estrella del boxeo y ahora convertido en drogadicto, Dicky Eklund.

El papel de Eklund es uno de esos que conduce a quién sepa aprovecharlo a las cumbres del reconocimiento. Y Christian Bale supo hacerlo. Este camaleónico actor logró una notable transformación física (no tan impresionante como la que alcanzó en El Maquinista) para mostrar la adicción al crack y el ocaso de una carrera.

Bale, más allá de lo físico, despliega una tremenda energía y trabajo con su cuerpo que lo convierten en el centro de atracción. La estatuilla dorada como actor de reparto está cantada para él.

 Las féminas del reparto no deslucen. Amy Adams (Encantada) vuelve a mostrar su amplio registro al encarnar a una camarera de carácter fuerte que se convierte en la novia del protagonista.

Y, por último, pero no menos importante, Melissa Leo (Frozen River), quien ha sorprendido a todos con su interpretación de una madre posesiva y ambiciosa. Tampoco hay muchas dudas acerca de que la actriz será quien levante al hombrecillo dorado el 27 de febrero, en la categoría actriz de reparto.

El único dejado por fuera fue Wahlberg, quien no entró en el cuadro de los Oscar de mejores actores de este año. Dicen que Javier Bardem le arrebató el puesto que le correspondía.

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Red Social

Red Social es una de las películas nominadas al Globo de Oro

Rumbo al Oscar

David Fincher tiene el toque de Midas. Prácticamente todo lo que ha hecho en el cine puede calificarse de bueno. Después de Alien 3, vino la magistral Se7en, El Juego, El Club de la Pelea, La Habitación del Pánico, la criticada injustamente Zodiaco y la premiada El Curioso Caso de Benjamin Button.

El director estadounidense de apenas 48 años de edad había centrado su carrera en el género suspenso, jugando magistralmente con la psiquis de sus espectadores, llevándolos a situaciones incómodas y extremas sin abusar de lo gore o lo explícito no justificado.

Con El Curioso Caso de Benjamin Button, se mete en los derroteros del fantasy y salió airoso con su primera y tardía nominación al Oscar. Reconocimiento que tenía que haberle llegado con Se7en o posteriormente con El Club de la Pelea.

Fincher ahora experimenta con una especie de biopic y el resultado es sorprendente. Y no cualquier biopic, sino uno de la historia muy reciente: el de Mark Zuckerberg, estudiante de Harvard que en el año 2003 tuvo la idea de crear Facebook.

Lejos de aburrir – que pudiera ser un prejuicio llevado a la butaca por la naturaleza del género y el argumento- Red Social atrapa desde el primer minuto; y lo hace desde la simplicidad de su historia y propuesta visual, y gracias a diálogos inteligentes y la actuación fascinante de su protagonista.

El guión fue escrito por Aaron Sorkin, creador de la serie de televisión El Ala Oeste de la Casa Blanca, a partir del libro Multimillonarios por Accidente, de Ben Mezrich; y producido por la compañía del también actor Kevin Spacey.

Con Red Social, David Fincher se convierte, como lo dijera Justin Chang, crítico del semanario Variety, en “un imborrable cronista de nuestros tiempos”. Quizá de allí la fascinación que genera la cinta al meterse en un fenómeno que ya forma parte importante de la vida de muchos.

Red Social también hace una interesante reflexión acerca de la necesidad del ser humano de comunicar hasta los detalles más mínimos de su vida, de ver y dejarse de ver y de las nuevas formas de relacionamiento que se establecen a partir de la creación de la Red, la cual, por cierto, se reivindica ante los espectadores que llegaron a cuestionarla y detractara.

Actuaciones de impacto

Eisenberg actuó en Zombieland

Paradójicamente, Mark Zuckerberg, el genio creador de Facebook es un joven con serios problemas de socialización; y por su genial idea es capaz de pasar por encima hasta de sus mejores amigos.

Es, sin duda, un personaje fascinante, de esos que hacen ganar Oscar a quienes los interpretan. Jesse Eisenberg, el chico miedoso y metódico de Zombieland, le ganó el papel a Shia LaBeouf (Wall Street 2) y Michael Cera (Juno).

Y al mirar su elocuente actuación, que lo perfila, desde ya, como un candidato a los Oscar, es difícil imaginarse a otro actor interpretando al inteligente, retraído y mordaz genio, uno de los millonarios más jóvenes del mundo.

Lo acompañan Andrew Garfield, el chico enamorado y valiente de El Imaginario Mundo del Dr. Parnassus como el socio capitalista de Zuckerberg y co-creador de la Red, Eduardo Saverin.

Y también, Justin Timberlake, como el polémico Sean Parker, creador de Napster y cuyas ambiciosas manos se hacen con un pequeño porcentaje de la codiciada red Facebook. Hasta ahora, las participaciones más importantes del cantante en el cine habían sido en películas animadas como Shrek Tercero y El Oso Yogi. Sorprende con su interpretación y su personaje le imprime mucho dinamismo a la cinta.

Los especialistas en la materia, aseguran que Red Social estará entre las cinco o más películas nominadas al Oscar. A su protagonista también le auguran un puesto entre los privilegiados; y sería una injusticia que se le siga negando a Fincher la preciada estatuilla dorada.

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Annette Bening está nominada como actriz principal

La familia triunfa

Joni y Laser son hermanos y  están buscando al hombre que donó el esperma para que sus madres lesbianas pudieran tenerlo. Cuando lo encuentran, lo único que consiguen es que se rompa el equilibrio de su familia.

Los Chicos Están Bien es una de esas producciones independientes que se robó la atención de la crítica, como ha venido sucediendo en los últimos años. Su principal fortaleza es un guión original, por el que de hecho están nominados Lisa Cholodenko y Stuart Blumberg.

La primera es también la directora del filme, quien tiene varios trabajos acerca del tema de la homosexualidad y quien imprime una visión muy equilibrada entre el drama y la comedia.

Otro de los fuertes de la cinta son las actuaciones. Todo el elenco se destaca, en especial, las protagonistas, quienes asumen el reto de interpretar a estas dos mujeres que aman y luchan por mantener a su familia unida.

Al final, solo lograron nominaciones Mark Ruffalo (Shutter Island) como actor de reparto. Siempre en roles secundarios, pero con interpretaciones muy por encima del promedio. Y Annette Bening como actriz principal, quien ya acumula cuatro nominaciones.

Bening es la amenaza más clara para Natalie Portman, la favorita por la bailarina atormentada en Black Swan. Sin duda, Portman parece imbatible, pero si este Oscar se decide por trayectoria, Bening tiene la delantera.

Para Los Chicos Están Bien, las cuatro nominaciones ya son premios en sí mismo. Se reconoce nuevamente al cine independiente y a la vez a la comedia, no despojada de sus toques de drama.

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127 Horas

James Franco fue nominado al Oscar

¿Qué harías para sobrevivir?

En abril de 2003, Aron Ralston, entonces de 27 años, salió a hacer senderismo de fin de semana entre la dramática belleza natural del Parque Nacional Canyonlands en Utah. Cometió un error terrible que le costaría mucho: no le dijo a absolutamente nadie a dónde iba.

Estaba escalando el Cañón Blue John cuando se resbaló y al hacerlo, aflojó una gran roca, que atrapó su brazo derecho completamente contra la ladera de arenisca del acantilado. Ralston estaba atrapado y sabía que nadie llegaría a rescatarlo.

Durante los siguientes cinco días de intentar todas las formas concebibles de liberarse, Ralston se convenció de que moriría en ese solitario cañón si no tomaba una decisión drástica. La gran pregunta con la que 127 Horas confronta a los espectadores es: ¿hasta dónde llegarías para sobrevivir?

Esta simplísima historia de supervivencia y amor a la vida, basada en hechos reales es narrada en 127 Horas, el último trabajo de Danny Boyle, ganador del Oscar en 2009 por Slumdog Millionaire, y realizador de la famosa Trainspoitting (1996).

Es difícil imaginarse que una cinta sobre un hombre atrapado por una piedra en un acantilado pueda ser interesante. Pero 127 Horas resulta serlo y mucho. Y no solo porque el mensaje de supervivencia basado en hechos reales es muy emotivo y motivador, sino porque Boyle, quien también es escritor del guión, ha logrado “empaquetarlo” de forma muy original y con un ritmo acelerado, al que le ayuda la música.

Usando recursos como la división de pantalla, los flashback y la música como un protagonista más, logra mantener la atención del espectador, y más allá involucrarlo con el drama del protagonista, convirtiéndolo en un observador impotente de la situación.

Mucho se le ha criticado al realizador la crudeza de la escena de la mutilación; lo cual es una verdadera tontería considerando el éxito del terror gore y su máximo representante en los últimos años, Saw.

Es valioso el clima previo que logra el director, el cual conduce al espectador casi a aupar al protagonista a finalmente tomar la decisión, con tal de verlo salir vivo de semejante trance.

Solo con su roca

La elección de James Franco (Spiderman) para el papel del senderista Aron Ralston, es sumamente acertada. Franco está solo con una piedra, una cámara y unos pocos mililitros de agua. Todo un reto actoral del que sale muy bien parado.

Franco es un 70% de la película, transmite con realismo la determinación de seguir vivo que tiene el protagonista, sus demonios, la importancia de sus afectos, el humor y el deterioro que sufre a medida que pasan las horas.

Lo ayudo mucho, sin duda, el haber conocido a Ralston y el tener acceso a las cintas de video que el senderista grabó durante su penosa estadía en el acantilado. Reconoció que es un material determinante en la construcción de su trabajo.

Seguramente la cinta no se lleve el Oscar, pero pasará a la historia como una de esas películas que con economía de recursos y una interpretación de altura, logró lo que muchas con exceso de efectos, elencos numerosos y giros rebuscados jamás pudieron alcanzar.

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Black Swan

Natalie Portman interpreta a la bailarina Nina

El momento de Natalie Portman

Black Swan o Cisne Negro narra la historia de Nina, una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York cuya vida, como la de todos los de su profesión, está completamente absorbida por la danza.

Nina vive con su madre, Erica, una bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija. Cuando el director artístico Thomas Leroy decide sustituir a la bailarina principal en la nueva producción de la temporada, “El Lago de los Cisnes”, Nina es su primera elección.

Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina, Lily, que también ha impresionado gratamente a Leroy.  “El Lago de los Cisnes” requiere una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad.

La bailarina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado más oscuro, con una temeridad tal que amenaza con destruir.

Este sencillo argumento se convierte en un ejercicio psicológico angustiante para los espectadores, que se ven envueltos por completo en el laberinto en el que se encuentra la protagonista. Será ese observador quien decida si Cisne Negro es una cinta de fantasía o un drama psicológico. Personalmente me decanto por la segunda,  pero en una especie de travesura visual, el director Darren Aronofsky genera la duda con malicia.

Con Black Swan, Aronofsky encuentra un balance entre la imaginería de The Fountain (2006) y el hiperrealismo de Requiem for a Dream (2000) o The Wrestler (2008); sin contar que tiene a su favor la atractiva estética propia del mundo de la danza.

El lado bueno y el lado malo

Lo que sí es una verdad irrefutable es que el realizador oriundo de Nueva York es un gran director de actores. Logró una impactante interpretación de Jennifer Connely en Requiem for a Dream, ayudó a Mickey Rourke a resurgir de las cenizas en The Wrestler, hasta el punto de verlo alzar varias estatuillas, incluyendo el Globo de Oro.

En Cisne Negro logró una magistral actuación de todo el elenco, en especial de Natalie Portman. No hay que restarle méritos a la actriz que desde niña ha demostrado disciplina, soltura y calidad interpretativa.

Como Nina, Portman se desdobla como lo hace el cisne al que representa. Es insegura e introvertida y a medida que avanza, su alter ego es ambicioso, capaz de cualquier cosa para defender su terreno y hasta peligrosao. Sin contar el trabajo físico hecho por la actriz para conseguir un cuerpo de bailarina.

El de Nina es uno de esos papeles perfectos, que la podría llevar a acariciar la estatuilla del Oscar el próximo 27 de febrero. De hecho, es la favorita y solo Annette Benning podría arrebatárselo, pero es bastante improbable. Ya la actriz estuvo nominada en 2005 por su interpretación en Closer.

Sus compañeras de elenco, Barbara Hershey (Hannah y Sus Hermanas) y Mila Kunis (El Libro de Eli), no se dejan opacar por la crecida Portman y logran ganarse su lugar en el filme. La primera como la madre obsesiva y sobre protectora de Nina, y la segunda, como la bailarina que amenaza con destronarla.

Es muy saludable para la carrera de Kunis que haya sido considerada para este papel y haya aprovechado la oportunidad con una destacada interpretación. Hay que recordar que la actriz se dio a conocer en la comedia, en la serie televisiva That’s 70’s Show. En Black Swan se muestra como la antítesis de la protagonista.

Habrá que esperar hasta abril para ver Black Swan en las salas de cine venezolanas; cuando el misterio vaya in crecendo y termine por dejarlos boquiabiertos justo antes del final de la dramática obra.

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True Grit

Hailee Steinfeld debuta en el cine

La vuelta del western

El padre de la niña de catorce años Mattie Ross es asesinado de un disparo a sangre fría por el cobarde Tom Chaney, y ahora ella está dispuesta a hacer justicia. Buscando la ayuda del jefe de policía Rooster Cogburn, un borracho de gatillo fácil, se marcha con él —a pesar de su oposición— para atrapar a Chaney.

La sangre vertida de su padre le hace perseguir al criminal hasta el territorio indio y encontrarle antes de que el ranger llamado LaBoeuf le atrape y le lleve de vuelta a Texas por haber asesinado a otro hombre.

True Grit es el remake del homónimo clásico y segunda adaptación de la novela de Charles Portis. Es un western dirigido por la dupla ganadora de tres Oscar por No Country for Old Man en 2008, Ethan y Joel Cohen.

Según los entendidos esta es la propuesta más comercial de los hermanos y carece de la densidad a la que tienen acostumbrados a los espectadores. Pero para quien como yo, nunca ha comprendido la propuesta de los Cohen, True Grit tiene su firma por todos lados y resulta tan somnífera como el resto de su obra.

En ese desarrollo lento y parsimonioso destacan algunos aspectos: una cinematografía hermosa, imponente y que subraya los planos generales elegidos por los realizadores; vestuario que aporta realismo al filme y un sonido que potencia los escasos momentos de acción.

Vale la pena aguantar hasta el final por dos cosas: la penúltima secuencia de la larga cabalgata de regreso del territorio indio, en la que la posibilidad de un desenlace fatídico despierta el interés perdido.

Y el segundo motivo, es Hailee Steinfeld y su extraordinaria actuación.

El debut  una actriz

Hailee Steinfeld es una chica de apenas 15  años, oriunda de California y cuya experiencia se había limitado a aparición en series de televisión, cortometrajes y películas para la televisión.

Es su debut en el cine y ha sido por la puerta grande. Steinfeld es True Grit. Su interpretación de una niña de madurez y frialdad que impresionan es la que motiva a ver la cinta desde su primera aparición y sigue invitando al espectador a aguantar un poco más para saber cuál será su destino.

Bien merecida tiene su nominación como mejor actriz de reparto y si no fuese porque Jeff Bridges es quien es, podría decirse que el veterano actor es el soporte de ella y no viceversa.

Y respecto al actor que acaba de ganar su primer Oscar el año pasado por su trabajo en Crazy Heart, luce sencillamente brillante en el papel de caza recompensas borracho y mal encarado. El papel de Rooster Cogburn es, sin duda, mucho más “oscarizable” que el del cantante country. Pero sabemos que muchas veces estos premios se entregan por trayectoria y no por un trabajo en particular.

Matt Damon y Josh Brolin son opacados por los protagonistas y si no fuese por la caracterización estética de sus personajes, podría decirse que esos papeles podían haber sido fácilmente entregados a caras desconocidas que ayudaran a desinflar el presupuesto.

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