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Archive for the ‘Suspenso’ Category

Cine retro

Las Caras del Diablo es la segunda película de Carlos Malavé, realizador de Por Un Polvo (2007) y La Pura Mentira (2008).

Cuenta la historia de Pedro Ramírez, un detective de la policía obsesionado con un caso que no pudo resolver hace tres años, el crimen de una niña de 10 años.

Este hecho ha afectado su matrimonio y su vida profesional por lo que está a punto de ser destituido de su cargo.

Cuando Ramírez menos lo espera recibe una terrible noticia, el secuestro de su propia hija; hecho que termina por convertirse en la pista que puede ayudarlo a resolver el caso que tanto lo ha atormentado.

Mensajes crudos

Más allá de la ausencia de una iluminación profesional, una música pobre, encuadres de cámara poco cuidados y una producción que denota baja factura, Las Caras del Diablo logra atrapar al espectador con un conflicto crudo, y una trama entretenida sobre una investigación policial.

Sin embargo, la resolución del thriller policial que había logrado mantener la expectativa, es pobre y confusa. Lo cual es una verdadera lástima considerando el desarrollo medianamente aceptable.

Lo que sí es completamente rescatable de Las Caras del Diablo son los mensajes que busca transmitir: La creación de conciencia sobre el abuso de menores, y la credibilidad en la justicia.

También es claro el homenaje que Malavé quiso hacer al cine venezolano policíaco de las décadas de los 70 y 80, liderado por cineastas como César  Bolívar y Román Chalbaud. Y la verdad que su película logra rememorar esa época y género.

Improvisando

Lamentable es que la actuación de Jean Paul Leroux no esté a la altura de su personaje. Era su oportunidad de demostrar drama, frustración, ira y todos los sentimientos que puede generar el secuestro y abuso de una hija. Su interpretación, en cambio, es fría y no trasmite estos sentimientos al espectador.

Lo acompañan William Goite,  María  Fernanda León,  Mariaca  Semprún,  Carlos  Madera (Nigga),  Catherina  Cardozo,  Matilda  Corral,  Agustín  Segnini,  Diego  Hernández, Sócrates Serrano, Guillermo García, José Roberto Díaz, Jackson Gutiérrez, Indra Santamaría, y el debut de Valentina Mammarella como actriz joven.

A los actores se les dio un argumento y unas indicaciones básicas, y a partir de allí se les invitó a improvisar. Al que más se le ajustó esta técnica, a juzgar por el resultado apreciable en pantalla fue a Goite y a algunos figurantes, los cuales tienen momentos de brillante naturalidad.

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Shutter Island

Shutter Island cuenta con un sólido elenco

Scorsese, el titiritero

¡Qué manera de jugar con la psique encontró Martin Scorsese! Y todo en base a un argumento bastante simple, y que sólo se complica con la única y perversa intención de enredar al espectador en un juego psicológico bastante sofisticado.

Y sofisticado, porque al tratar la locura y temas relacionados con la inestabilidad mental, se aleja de melodramas como Una Mente Brillante (2001) y bodrios como el de Gothika (2003); y se acerca más al trabajo de directores como David Cronenberg y su Spider (2002), con una clara influencia de los clásicos de David Lynch o Alfred Hitchcock.

Shutter Island es el resultado del último trabajo de Martin Scorsese; uno de los mejores directores contemporáneos que existen. Sin embargo, su experticia cinematográfica no había sido reconocida por el Oscar hasta 2007, cuando la Academia le entregó la estatuilla de director y película por Los Infiltrados, la cual, por cierto, dista mucho de ser su mejor filme.

Ésta tampoco puede ser calificada de su mejor película, pero es un ejercicio entre lo comercial y lo autoral, más que destacado de lo que supone hacer cine del género suspenso, generando toda la intriga, tensión y sensación que es posible en el cautivo público.

Para pensar

Ambientada en 1954, Shutter Island presenta al marshall Teddy Daniels, quien investiga la desaparición de una asesina que se ha escapado del hospital mental donde se encontraba recluida y que podría estar escondida en la remota isla en la que se encuentra la institución.

Lo que comienza como una investigación cargada de objetividad, deviene gradualmente en una especie de conspiración, que no se sabe a ciencia cierta si es en contra del país o del protagonista lleno de dudas y de sus propios fantasmas.

Este argumento no es propio, sino sacado de una novela de Dennis Lehane, autor de éxitos literarios como “Mystic River” y “Gone, Baby, Gone”, ambos dramas y adaptados cinematográficamente con suficiente pericia por Clint Eastwood y Ben Affleck, respectivamente.

Shutter Island varía de la temática que ha caracterizado este autor, y también de la que venía realizando Scorsese. Pero el resultado de estas variaciones de estilo y zonas cómodas, es muy satisfactorio.

Pero no espere una cinta en la que tiene todas las respuestas servidas en bandeja de plata. Tendrá que pensar y mucho, incluso una vez que se encuentre en su cama tratando de conciliar el sueño, seguirá buscando las pistas, a menos que pertenezca al grupo de espectadores avispados que captó de inmediato el giro sorpresivo de Sexto Sentido.

Pero si, en cambio, es de los que se deja atrapar por los conflictos de los personajes, por los dramáticos flashback, la gótica ambientación y los acordes musicales absolutamente espeluznantes, Scorsese le dejará tarea para las siguientes horas.

Di Caprio ha crecido

Otro acierto que ha tenido Scorsese con Shutter Island es la elección del elenco. El protagonista, como ha venido sucediendo los últimos años, es Leonardo DiCaprio, quien protagonizó Ganster de Nueva York, El Aviador y Los Infiltrados, todas cintas del director de origen italiano.

Convertido en su actor fetiche y crecido, no sólo en edad, sino desde el punto de vista actoral, DiCaprio entrega una actuación soberbia, equilibrada, cargada de emociones y sobresaltos. La cinta y el actor se retroalimentan armoniosamente.

El elenco que lo acompaña es correcto. Mark Ruffalo, como el compañero de investigaciones, interpreta a un personaje que va evolucionando y transformándose conforme pasan los minutos.

Y Ben Kingsley (Lucky Number Slevin), fue una acertada elección para el misterioso director de la institución psiquiátrica en la que suceden los agobiantes sucesos que no distinguen entre la realidad y los laberintos de la mente.

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The Hurt Locker

La película reúne 9 nominaciones al Oscar

Viviendo al límite

Es increíble como la visión de una mujer, generalmente más sensible, puede lograr una perspectiva tan cruda sobre un tema tan árido como la guerra. Pues Kathryn Bigelow, más conocida últimamente, por ser la ex esposa de James Cameron, que por su trabajo como cineasta, logró, lo que algunos críticos de cine han calificado como la película de guerra perfecta.

Bigelow, californiana de nacimiento, antes de The Hurt Locker, tuvo mayor visibilidad a principios de los noventa, cuando rodó Punto de Quiebra (1991) con Patrick Swayze y Keanu Reeves.

Ahora con esta obra, la realizadora coloca al espectador en los pies de los soldados estadounidenses en medio de las desérticas tierras iraquís. Específicamente sobre tres soldados pertenecientes a una unidad especial de detonación de bombas.

Tres hombres que viven cada día como si fuese el último, colocando en riesgo sus vidas, sin la certeza de que podrán culminar sanos y salvos sus días de servicio. Unidad que es liderizada por William James, quien asume su deber con actitud prácticamente suicida. Pues la adrenalina es el alimento que lo nutre.

¿Perfecta?

The Hurt Locker no asume posiciones políticas ni ideológicas, se concentra en lo que le sucede a los soldados en el terreno de guerra y eso la hace mucho más desoladora. Visualmente esa desolación se refuerza con primeros planos de los protagonistas y otros que describen muy bien el ambiente y cargan el filme de originalidad.

Bigelow logró con The Hurt Locker un relato cargado de testosterona y mucha tensión. Aunque el ritmo de la película no es el acostumbrado en los largometrajes de guerra, es decir, es mucho más pausado; la tensión no abandona ni un minuto la cinta. El espectador siente que siempre está por suceder algo y la verdad que el filme no defrauda en cuanto a las sorpresas y los giros del guión.

La han calificado de perfecta… Quizá es exagerado. Pero, ciertamente, Bigelow conjugó un guión, a cargo de Mark Boal (En El Valle de Elah), interesante, bien estructurado; una atmósfera realista y tensa (con pocos acordes musicales y con muchos planos de detalle); actuaciones convincentes; y un resultado final que hace sobresaltar al más sereno.

Trío convincente

Son tres los actores en los que se centra The Hurt Locker. Los tres miembros de la unidad de desactivación de bombas. El soldado Owen Eldridge interpretado por Brian Geraghty (An American Crime); el sargento J.T. Sanborn, a cargo de Anthony Mackie (We Are Marshall); y el líder de la unidad, William James, interpretado por Jeremy Renner (28 Semanas Después).

Los tres logran actuaciones destacadas y convincentes. Pero, definitivamente, Renner se destaca en el papel de un hombre hambriento de adrenalina y a quien no pareciera importarle nada, más allá de vivir al límite, en lo que se ha convertido en su hogar: la Zona de Peligro, nombre con el que, por cierto, fue titulada la cinta en el país.

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Cuidado con quién mete en su casa

Cuando Michael (Penn Badgley), un joven problemático, regresa a su hogar después de un año en la escuela militar, encuentra a Susan (Sela Ward), su madre, enamorada de su futuro padrastro, David (Dylan Walsh), quien ahora vive en su casa.  David dice que quiere que se conviertan en la familia perfecta.  Pero con el tiempo Michael se convence de que David no es el hombre perfecto.

Al indagar en el pasado de David, Michael encuentra cosas que parecen no tener sentido. Cuando empiezan a suceder cosas extrañas, y los desplantes del malvado David se hacen más frecuentes, Michael trata de convencer a su madre y su novia sobre sus sospechas. Sin embargo ellas lo toman por loco. Con el tiempo, la búsqueda de Michael empieza a tener frutos y la máscara de David se empieza a desmoronar… y hará lo posible para mantener su secreto oculto.

Asesino conocido

Ideal para aquellos que quieren iniciar el año al borde de la butaca del cine. Asesino en Casa es un remake de la película del mismo nombre del año 1987, considerada por Bravo en su lista de las 100 mejores cintas de terror de todos los tiempos.

Asesino en Casa es un thriller con una fórmula muy tradicional, que busca alterar a los espectadores no en la búsqueda del asesino, pues este se conoce en la primera secuencia, sino en la forma en cómo las víctimas descubren que forman parte de un macabro plan.

Imperfecto

Para personificar al villano, los cineastas buscaron al actor Dylan Walsh, quien había trabajado con el director Nelson McCormick, en la serie de televisión galardonada Nip/Tuck.

Los realizadores insisten en que su intención no fue copiar a exactitud lo narrado en la original, sino profundizar en la psicología de personajes tan imperfectos como el protagonista: Un hombre de New Jersey que decide asesinar a su esposa y a sus tres hijos adolescentes. Luego se va a Colorado, cambia su vida por completo, se casa y se cambia de nombre; y no es sino hasta 18 años después, que se descubre que se trataba del mismo sujeto.

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Es la cuarta vez que Tom Hanks actúa para el director Ron Howard

Es la cuarta vez que Tom Hanks actúa para el director Ron Howard

Sin polémica

Luego de que El Código Da Vinci recaudara unos 750 millones de dólares en todo el mundo; era imposible que Hollywood no llevara a la pantalla, Ángeles y Demonios, la segunda obra en la polémica bibliografía del novelista estadounidense, Dan Brown.

Y es que reventar la taquilla es una certeza, ya que se está frente a una película comercial, con un elenco muy conocido, que atrae a los fanáticos de Brown y está amparada bajo el éxito de su predecesora.

Ángeles y Demonios narra un momento crítico para El Vaticano. El Papa ha muerto y los cardenales han sido llamados al Cónclave para elegir un nuevo pontífice. Pero la amenza de una antigua hermandad secreta conocida como Illuminati, enemigos la iglesia Católica, inician un ataque mortal.

El profesor de Harvard, Robert Langdon, es llamado a resolver el misterio, junto a la científica, Vittoria Vetra. Ambos se embarcan en una incansable búsqueda a través de criptas selladas, peligrosas catacumbas, catedrales desiertas e incluso el corazón de la tumba más secreta de la tierra. Langdon y Vetra seguirán la pista de unos antiguos símbolos de hace 400 años que se convierte en la única esperanza de supervivencia del Vaticano.

Cuidado con las costuras

El director Ron Howard, realizador también de El Código Da Vinci, logra una más dinámica puesta en escena, en comparación con el primer filme. Así mismo, los guionistas, David Koepp y Akiva Goldsman, también realizan un trabajo de adaptación más depurado, al condesar más lógicamente el argumento del libro.

El espectador no debe esperar un tratado creíble acerca de los misterios de la Iglesia Católica; aunque las recientes declaraciones de portavoces del Vaticano, indignados por el estreno de la película, den pié para pensar que es así.

Ángeles y Demonios es una buena película de acción y suspenso. Con excelente ritmo, encuadres muy artísticos y aceptables interpretaciones de parte de un elenco muy comercial.

Sin embargo, si mira con cuidado las costuras, se dará cuenta de las tantas incongruencias del guión. Por ejemplo, siendo Langdon un estudioso, no sabe latín; y seguramente, las muchas otras que los expertos en los rituales católicos podrán determinar.

Pero lo que no se le puede negar a Ángeles y Demonios es que proporciona dos horas y veinte minutos del más puro entretenimiento, intrigas y misterios que son resueltos muy cómodamente por los protagonistas.

Hanks y Brown por cuarta vez

Hablando, por cierto, del elenco. Tom Hanks repite en el papel del analítico profesor Langdon, mucho más conservado que en la primera parte y más ajustado al papel de científico. Es la cuarta vez que Hanks colabora con Ron Howard en un filme, por lo que están completamente acoplados.

La figura femenina a su diestra, esta vez, no es Audrey Tautou, la inolvidable Amelia; sino Ayelet Zurer (Munich), actriz israelí que interpreta a la científica Vittoria Vetra, mucha mejor compañía para tan sabio profesor.

El resto del reparto también arroja caras y nombres conocidos. Ewan McGregor encarna al Camerlengo Patrick McKenna. Un personaje clave en la historia, que a medida que pasan los minutos se convierte casi en una caricatura por su irrealidad.

También destaca Stellan Skarsgård como el Comandante Richter, jefe de la guardia suiza. Skarsgård ha actuado en películas como La Maldición del Perla Negra y más recientemente en el musical Mamma Mía!

En definitiva, Ángeles y Demonios, supera a su predecesora, convirtiéndose en una segunda parte mejor lograda que la primera, hazaña que muy pocos filmes, contados con los dedos de las manos, han logrado.

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Honor y Orgullo

Norton regresa al cine comercial con esta película

Norton regresa al cine comercial con esta película

Norton vs. Farrell

Mueren cuatro policías en Nueva York, asesinados en una emboscada que tiene en vilo al departamento.  El asesino está suelto y el caso se complica, por eso el Jefe de Detectives de Manhattan Francis Tierney (Jon Voight) le pide a su hijo, el Detective Ray Tierney (Edward Norton), que lidere la investigación.  Ray se ocupa del caso, sabiendo que los policías trabajaban bajo las órdenes de su hermano, Francis Tierney, Jr. (Noah Emmerich) y de su cuñado, Jimmy Egan (Colin Farrell).

Ray investiga el caso a fondo y se da cuenta que alguien debe haber advertido al traficante que los policías estaban en camino. Alguien que está adentro. Peor aún, la evidencia señala a su hermano y su cuñado.

¿Una película más acerca de policías? Probablemente. Pero más allá de la intriga y la tensión que genera la investigación policíaca, Honor y Orgullo (Pride and Glory) es un retrato emotivo de una familia de diferentes generaciones de policías que se encuentran en lados opuestos en un escándalo de corrupción dentro del departamento de policías de Nueva York.

El thriller que busca emular el estilo de películas como The Departed (2006) de Martin Scorsese, ganadora del Oscar, es dirigido y escrito por Gavin O’Connor, cuyo título más importante es el de la película Miracle (2004).

Lo que sí logró este realizador fue reunir a un elenco envidiable, encabezado por Edward Norton y Colin Farrell. El primero, tuvo su época de gloria a finales de los 90’s con su actuación en películas como American History X y El Club de la Pelea; pero de un tiempo a esta parte ha estado haciendo apenas una película al año y con relativo poco éxito.

Farrell también venía de una racha de “mala suerte”, luego de películas tan infames como Alexander y El Nuevo Mundo. Pero eso quedo en el pasado este año gracias a In Bruges, película por la cual recibió un Globo de Oro al Mejor Actor en una comedia o musical.

Los acompaña el veterano Jon Voight, que además de ser padre de Angelina Jolie, es un actor muy reconocido que ha participado en filmes como Transformers, Tesoro Nacional, Ali, entre muchas otras.

Completa el cuarteto una cara menos conocida, pero no por eso menos talentosa, la de Noah Emmerich, quien fuera una grata revelación en 2006 en la película Little Children, protagonizada por Kate Winslet y Patrick Wilson.

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