Feeds:
Entradas
Comentarios

Toy Story 3

Lo tiene todo

En Toy Story 3, Andy, ya ha crecido, ingresa a la universidad, y sus juguetes, incluidos Buzz y Woody, irán a parar al ático. Pero accidentalmente son tirados a la basura y Woody los logra rescatar antes de que se los lleve el camión.

Pero luego la mamá de Andy los lleva a la guardería “Sunny Side” donde deben tratar de sobrevivir al maltrato de descuidados niños y a las “reglas” de los juguetes que ya tienen mucho tiempo allí.

Woody intenta salvar a sus amigos y hacerlos regresar con Andy antes de que se vaya a la universidad, pero las cosas se complican de forma nunca pensada para unos pequeños e indefensos juguetes.

Con porte de ganadora

Era cuestión de tiempo para que se estrenara una tercera parte. Y más cuando las posibilidades técnicas han avanzado tanto desde 1995. Toy Story 3 llega de la mano de Disney Digital 3-D para seguir sorprendiendo.

Y vaya que sorprende. Esta película lo tiene todo: Drama, suspenso, comedia, romance y mucha aventura. Los personajes principales viven la experiencia de su vida, colocan su integridad física en riesgo, viajan más allá del vecindario donde siempre han vivido, conocen amigos y enemigos. Es una película que hará que el espectador realmente se involucre en esta historia.

Los personajes principales de Toy Story 3 mantienen su esencia, y se introducen gran cantidad de personajes nuevos. Como en la segunda, el concepto de villano cobra un mayor protagonismo.

Lo cierto es que esta tercera parte fascinará a los seguidores de la saga, y atrapará a los que nunca se habían sentido atraídos por la historia, invitándolos a ver las cintas anteriores. A todos los hará reír a carcajadas, pero también los conmoverá hasta decir basta.

Con seguridad, Toy Story 3 se llevará el Oscar a la Mejor Película Animada y figurará entre las candidatas a Mejor Película, si continúa esta tendencia de nominar 10 cintas.

Anuncios

Annette Bening está nominada como actriz principal

La familia triunfa

Joni y Laser son hermanos y  están buscando al hombre que donó el esperma para que sus madres lesbianas pudieran tenerlo. Cuando lo encuentran, lo único que consiguen es que se rompa el equilibrio de su familia.

Los Chicos Están Bien es una de esas producciones independientes que se robó la atención de la crítica, como ha venido sucediendo en los últimos años. Su principal fortaleza es un guión original, por el que de hecho están nominados Lisa Cholodenko y Stuart Blumberg.

La primera es también la directora del filme, quien tiene varios trabajos acerca del tema de la homosexualidad y quien imprime una visión muy equilibrada entre el drama y la comedia.

Otro de los fuertes de la cinta son las actuaciones. Todo el elenco se destaca, en especial, las protagonistas, quienes asumen el reto de interpretar a estas dos mujeres que aman y luchan por mantener a su familia unida.

Al final, solo lograron nominaciones Mark Ruffalo (Shutter Island) como actor de reparto. Siempre en roles secundarios, pero con interpretaciones muy por encima del promedio. Y Annette Bening como actriz principal, quien ya acumula cuatro nominaciones.

Bening es la amenaza más clara para Natalie Portman, la favorita por la bailarina atormentada en Black Swan. Sin duda, Portman parece imbatible, pero si este Oscar se decide por trayectoria, Bening tiene la delantera.

Para Los Chicos Están Bien, las cuatro nominaciones ya son premios en sí mismo. Se reconoce nuevamente al cine independiente y a la vez a la comedia, no despojada de sus toques de drama.

Colin Firth es el favorito para ganarse el Oscar a mejor actor

Habla claro

Meramente anecdótica y sin pretensiones algunas de convertirse en una pieza audiovisual de consulta sobre los tiempos previos a la Segunda Guerra Mundial, El Discurso del Rey vuelve sobre las intimidades de la realeza, como lo hiciera La Reina en 2006.

Pues estos intríngulis ingleses tienen éxito entre el público y la crítica especializada (no en vano la revista Hola tiene tantos seguidores), pues El Discurso del Rey figura como la favorita a llevarse el Oscar a mejor película este año.

Es una cinta plana, sin mucho que destacar en el plano de la dirección a cargo de Tom Hooper, cuya experiencia se limita a la televisión. Su principal aporte es el engranaje y buena conducción de un elenco que hace la película grande.

El Discurso del Rey es esencialmente una cinta sobre la amistad y la superación personal. De cómo un Rey recuperó su autoestima y eso lo condujo a motivar a su pueblo ante el peligro inminente de la guerra. Y como logro todo esto gracias a la incondicionalidad de su esposa y la amistad de un hombre totalmente distinto.

La ambientación y la banda sonora son magníficas, también la ironía y mordacidad de muchas de las frases pronunciadas por los protagonistas. Es una cinta entretenida y emocional, pero no tan grandiosa.

Al ver El Discurso del Rey y Red Social, uno se pregunta, acaso se están premiando buenos guiones y actuaciones, o producciones que además de una buena historia e interpretaciones, sea visualmente sorprendentes. Si se opta por lo segundo, el Oscar a la mejor película debería ganarlo Inception.

Genialidad desbordada

El elenco de El Discurso de El Rey es sencillamente genial. La elección no pudo ser mejor y las interpretaciones sencillamente son de altura. Colin Firth es un buen actor que ha venido ganando relevancia y papeles grandiosos en los últimos años.

Como el rey Jorge V de Inglaterra, con su problema de voz, el trauma que lo provoca, las inseguridades que lo rondan y el mal genio que lo caracteriza, se catapulta como uno de los mejores actores de la contemporaneidad. No hay quien le arrebate la estatuilla al mejor actor.

Su actor de soporte es, nada más y nada menos, que Geoffrey Rush (ganador del Oscar por Shine). Despojado del disfraz de Barba Negra, y con toda la gallardía de un australiano que vive en el Reino Unido. Como el terapeuta de métodos extravagantes e incómodos, termina por transmitir la fidelidad de quien se convierte en el mejor de los aliados y amigo.

Por otra parte, es bueno ver a Helena Bonham Carter (Alicia en el País de Las Maravillas), fuera de la dirección de su esposo Tim Burton, y la extravagancia que la caracteriza. Su interpretación es muy sosegada, pero muy alejada de lo que se acostumbra a verle. Algo así es lo que le hace falta a Johnny Depp para salir del encasillamiento.

127 Horas

James Franco fue nominado al Oscar

¿Qué harías para sobrevivir?

En abril de 2003, Aron Ralston, entonces de 27 años, salió a hacer senderismo de fin de semana entre la dramática belleza natural del Parque Nacional Canyonlands en Utah. Cometió un error terrible que le costaría mucho: no le dijo a absolutamente nadie a dónde iba.

Estaba escalando el Cañón Blue John cuando se resbaló y al hacerlo, aflojó una gran roca, que atrapó su brazo derecho completamente contra la ladera de arenisca del acantilado. Ralston estaba atrapado y sabía que nadie llegaría a rescatarlo.

Durante los siguientes cinco días de intentar todas las formas concebibles de liberarse, Ralston se convenció de que moriría en ese solitario cañón si no tomaba una decisión drástica. La gran pregunta con la que 127 Horas confronta a los espectadores es: ¿hasta dónde llegarías para sobrevivir?

Esta simplísima historia de supervivencia y amor a la vida, basada en hechos reales es narrada en 127 Horas, el último trabajo de Danny Boyle, ganador del Oscar en 2009 por Slumdog Millionaire, y realizador de la famosa Trainspoitting (1996).

Es difícil imaginarse que una cinta sobre un hombre atrapado por una piedra en un acantilado pueda ser interesante. Pero 127 Horas resulta serlo y mucho. Y no solo porque el mensaje de supervivencia basado en hechos reales es muy emotivo y motivador, sino porque Boyle, quien también es escritor del guión, ha logrado “empaquetarlo” de forma muy original y con un ritmo acelerado, al que le ayuda la música.

Usando recursos como la división de pantalla, los flashback y la música como un protagonista más, logra mantener la atención del espectador, y más allá involucrarlo con el drama del protagonista, convirtiéndolo en un observador impotente de la situación.

Mucho se le ha criticado al realizador la crudeza de la escena de la mutilación; lo cual es una verdadera tontería considerando el éxito del terror gore y su máximo representante en los últimos años, Saw.

Es valioso el clima previo que logra el director, el cual conduce al espectador casi a aupar al protagonista a finalmente tomar la decisión, con tal de verlo salir vivo de semejante trance.

Solo con su roca

La elección de James Franco (Spiderman) para el papel del senderista Aron Ralston, es sumamente acertada. Franco está solo con una piedra, una cámara y unos pocos mililitros de agua. Todo un reto actoral del que sale muy bien parado.

Franco es un 70% de la película, transmite con realismo la determinación de seguir vivo que tiene el protagonista, sus demonios, la importancia de sus afectos, el humor y el deterioro que sufre a medida que pasan las horas.

Lo ayudo mucho, sin duda, el haber conocido a Ralston y el tener acceso a las cintas de video que el senderista grabó durante su penosa estadía en el acantilado. Reconoció que es un material determinante en la construcción de su trabajo.

Seguramente la cinta no se lleve el Oscar, pero pasará a la historia como una de esas películas que con economía de recursos y una interpretación de altura, logró lo que muchas con exceso de efectos, elencos numerosos y giros rebuscados jamás pudieron alcanzar.

Black Swan

Natalie Portman interpreta a la bailarina Nina

El momento de Natalie Portman

Black Swan o Cisne Negro narra la historia de Nina, una bailarina de una compañía de ballet de la ciudad de Nueva York cuya vida, como la de todos los de su profesión, está completamente absorbida por la danza.

Nina vive con su madre, Erica, una bailarina ya retirada que apoya con entusiasmo la ambición profesional de su hija. Cuando el director artístico Thomas Leroy decide sustituir a la bailarina principal en la nueva producción de la temporada, “El Lago de los Cisnes”, Nina es su primera elección.

Pero Nina tiene competencia: una nueva bailarina, Lily, que también ha impresionado gratamente a Leroy.  “El Lago de los Cisnes” requiere una bailarina que pueda interpretar tanto al Cisne Blanco, con inocencia y elegancia, como al Cisne Negro, que representa la astucia y la sensualidad.

La bailarina se adecua perfectamente al papel del Cisne Blanco, pero Lily es la absoluta personificación del Cisne Negro. Mientras la rivalidad entre las dos jóvenes bailarinas va transformándose en algo más que una encrespada relación, Nina empieza a conectar con su lado más oscuro, con una temeridad tal que amenaza con destruir.

Este sencillo argumento se convierte en un ejercicio psicológico angustiante para los espectadores, que se ven envueltos por completo en el laberinto en el que se encuentra la protagonista. Será ese observador quien decida si Cisne Negro es una cinta de fantasía o un drama psicológico. Personalmente me decanto por la segunda,  pero en una especie de travesura visual, el director Darren Aronofsky genera la duda con malicia.

Con Black Swan, Aronofsky encuentra un balance entre la imaginería de The Fountain (2006) y el hiperrealismo de Requiem for a Dream (2000) o The Wrestler (2008); sin contar que tiene a su favor la atractiva estética propia del mundo de la danza.

El lado bueno y el lado malo

Lo que sí es una verdad irrefutable es que el realizador oriundo de Nueva York es un gran director de actores. Logró una impactante interpretación de Jennifer Connely en Requiem for a Dream, ayudó a Mickey Rourke a resurgir de las cenizas en The Wrestler, hasta el punto de verlo alzar varias estatuillas, incluyendo el Globo de Oro.

En Cisne Negro logró una magistral actuación de todo el elenco, en especial de Natalie Portman. No hay que restarle méritos a la actriz que desde niña ha demostrado disciplina, soltura y calidad interpretativa.

Como Nina, Portman se desdobla como lo hace el cisne al que representa. Es insegura e introvertida y a medida que avanza, su alter ego es ambicioso, capaz de cualquier cosa para defender su terreno y hasta peligrosao. Sin contar el trabajo físico hecho por la actriz para conseguir un cuerpo de bailarina.

El de Nina es uno de esos papeles perfectos, que la podría llevar a acariciar la estatuilla del Oscar el próximo 27 de febrero. De hecho, es la favorita y solo Annette Benning podría arrebatárselo, pero es bastante improbable. Ya la actriz estuvo nominada en 2005 por su interpretación en Closer.

Sus compañeras de elenco, Barbara Hershey (Hannah y Sus Hermanas) y Mila Kunis (El Libro de Eli), no se dejan opacar por la crecida Portman y logran ganarse su lugar en el filme. La primera como la madre obsesiva y sobre protectora de Nina, y la segunda, como la bailarina que amenaza con destronarla.

Es muy saludable para la carrera de Kunis que haya sido considerada para este papel y haya aprovechado la oportunidad con una destacada interpretación. Hay que recordar que la actriz se dio a conocer en la comedia, en la serie televisiva That’s 70’s Show. En Black Swan se muestra como la antítesis de la protagonista.

Habrá que esperar hasta abril para ver Black Swan en las salas de cine venezolanas; cuando el misterio vaya in crecendo y termine por dejarlos boquiabiertos justo antes del final de la dramática obra.

True Grit

Hailee Steinfeld debuta en el cine

La vuelta del western

El padre de la niña de catorce años Mattie Ross es asesinado de un disparo a sangre fría por el cobarde Tom Chaney, y ahora ella está dispuesta a hacer justicia. Buscando la ayuda del jefe de policía Rooster Cogburn, un borracho de gatillo fácil, se marcha con él —a pesar de su oposición— para atrapar a Chaney.

La sangre vertida de su padre le hace perseguir al criminal hasta el territorio indio y encontrarle antes de que el ranger llamado LaBoeuf le atrape y le lleve de vuelta a Texas por haber asesinado a otro hombre.

True Grit es el remake del homónimo clásico y segunda adaptación de la novela de Charles Portis. Es un western dirigido por la dupla ganadora de tres Oscar por No Country for Old Man en 2008, Ethan y Joel Cohen.

Según los entendidos esta es la propuesta más comercial de los hermanos y carece de la densidad a la que tienen acostumbrados a los espectadores. Pero para quien como yo, nunca ha comprendido la propuesta de los Cohen, True Grit tiene su firma por todos lados y resulta tan somnífera como el resto de su obra.

En ese desarrollo lento y parsimonioso destacan algunos aspectos: una cinematografía hermosa, imponente y que subraya los planos generales elegidos por los realizadores; vestuario que aporta realismo al filme y un sonido que potencia los escasos momentos de acción.

Vale la pena aguantar hasta el final por dos cosas: la penúltima secuencia de la larga cabalgata de regreso del territorio indio, en la que la posibilidad de un desenlace fatídico despierta el interés perdido.

Y el segundo motivo, es Hailee Steinfeld y su extraordinaria actuación.

El debut  una actriz

Hailee Steinfeld es una chica de apenas 15  años, oriunda de California y cuya experiencia se había limitado a aparición en series de televisión, cortometrajes y películas para la televisión.

Es su debut en el cine y ha sido por la puerta grande. Steinfeld es True Grit. Su interpretación de una niña de madurez y frialdad que impresionan es la que motiva a ver la cinta desde su primera aparición y sigue invitando al espectador a aguantar un poco más para saber cuál será su destino.

Bien merecida tiene su nominación como mejor actriz de reparto y si no fuese porque Jeff Bridges es quien es, podría decirse que el veterano actor es el soporte de ella y no viceversa.

Y respecto al actor que acaba de ganar su primer Oscar el año pasado por su trabajo en Crazy Heart, luce sencillamente brillante en el papel de caza recompensas borracho y mal encarado. El papel de Rooster Cogburn es, sin duda, mucho más “oscarizable” que el del cantante country. Pero sabemos que muchas veces estos premios se entregan por trayectoria y no por un trabajo en particular.

Matt Damon y Josh Brolin son opacados por los protagonistas y si no fuese por la caracterización estética de sus personajes, podría decirse que esos papeles podían haber sido fácilmente entregados a caras desconocidas que ayudaran a desinflar el presupuesto.